Schlagwort: Prog

Snow Live

Als Neal Morse 2002 Spock’s Beard verließ, bedeutete das das Ende einer auch kommerziell äußerst vielversprechenden Geschichte. Die Band hatte gerade das von Kritik wie Fans hochgelobte Doppelalbum „Snow“ veröffentlicht, das in Deutschland sogar bis auf Platz 27 in den Albumcharts kriechen konnte – obwohl der Term „Progressive Rock“ damals noch eher Schimpfwort war. Selbst Steven Wilson reagierte 2002 noch generell eher pissig, wenn man seine Band Porcupine Tree mit Prog in Verbindung brachte. In Kurzfassung: weder Spock’s Beard noch Neal Morse sollten sich von der Trennung allzu schnell erholen, und der Durchbruch in den Mainstream, der 2002 noch durchaus greifbar erschien, erfolgte für keine der beiden Parteien.

Vierzehn Jahre und unzählige Alben später fanden sich nun die Originalbesetzung von Spock’s Beard mit der aktuellen Formation, die auf dem „The Oblivion Particle“-Album gespielt hatte, zusammen, um im Rahmen des Morsefest besagtes Konzeptalbum „Snow“ erstmals live zu performen. Und da jeder von denen auch noch alle möglichen Instrumente spielt und singen kann, ist das Ganze natürlich eine außerordentlich fette Angelegenheit geworden. Neal Morse singt, spielt Gitarre und Keys, Ted Leonard (Enchant) singt und spielt Gitarre, Nick D’Virgilio (Big Big Train) singt und spielt Schlagzeug, dazu kommen Ryo Okumoto (Keys), Dave Meros (Bass), Jim Keegan (Drums) und Neals Bruder Alan Morse an der Leadgitarre. Die Songs profitieren davon allesamt: ob die unfassbaren Harmony-Vocals, die zusätzliche Rhythmusgitarre oder die perfekt arrangierten Doppel-Drum-Parts, es scheint, als ob das alles schon immer hätte so sein müssen. Keine schlechte Leistung bei einem Album, daß seit vierzehn Jahren zu den Lieblingsscheiben des Verfassers zählt. Das Ganze mag in einer Kirche stattfinden, von andächtiger Stille ist auf der Bühne aber nur wenig zu spüren. Im Gegenteil, wenn zum Beispiel bei ‚I’m Sick‘ zusätzlich zu den drei Gitarren noch Saxophon und Trompete dazukommen, rockt und groovt das Ganze wie kaum eine andere Progband. Lediglich das Publikum sitzt brav in den Bänken und bestaunt das Dargebotene. Von vierzehn Jahren Pause merkt man dabei übrigens überhaupt nichts – die Maschine läuft, da greift jedes Rädchen ins Nächste, das groovt, rollt und rockt, wie man das im Prog live immer noch viel zu selten hört.

Über die Songs muss man kein Wort mehr verlieren: „Snow“ ist eines der großartigsten Alben der jüngeren Prog-Geschichte und verbindet in perfekter Weise hochkomplexe Abfahrten und atmosphärische Gänsehautparts mit knackig-rockender Attitude und unwiderstehlichen Ohrwurmmelodien. Ja, es ist leider so: Spock’s Beard sind einfach die besten Musiker für Neals Kompositionen und die Band braucht Neal als Songschreiber. Da ändern auch Namen wie Mike Portnoy oder Paul Gilbert nichts. Keegan (der die Band leider seitdem verlassen hat) und Leonard passen sich dabei ins Original-Lineup perfekt ein. Für gewöhnlich bin ich keineswegs ein Freund von Wiedervereinigungen und Nostalgietouren, aber „Snow Live“ macht eines deutlich: sowohl Spock’s Beard als auch Neal Morse sind trotz nach wie vor hochklassiger Veröffentlichungen eben nur gemeinsam wirklich magisch. Dies beweist auch die Performance des für die 2015 erschienen Best-Of-Scheibe in gleicher Besetzung aufgenommenen ‚Falling For Forever‘, das mit ‚June‘ (immer noch zum Heulen schön!) den Zugabenblock bildet.

„Snow Live“ ist ein großartiges Livealbum, das (ganz ungeachtet der Songs) an Intensität, Spielwitz und Chemie alles schlägt, was die Beteiligten seit ihrer Trennung so fabriziert haben. Beiden Parteien wäre anzuraten, sofort über eine weitere gemeinsame Zukunft nachzudenken – man wäre aus dem Stand wieder diskussionsfrei die beste Progband des Planeten.

A.R. & Machines – The Art Of German Psychedelic

Anfang der 1970er war die Musikwelt durch die Bank weg überfordert, als Ex-Rattles-Gitarrist Achim Reichel – in der Beat-Ära veritabler Teenie-Star aus deutschen Landen – sich mit seinem Bandgerät einschloß und das Album „Die grüne Reise“ aufnahm: ein höchst minimalistisches, psychedelisches und, dem Titel folgend, recht verrauchtes Werk, das auf Experimenten mit dem Delay seiner Bandmaschine fußte. Selbst Reichel selbst schien eine ganze Weile von den vier unter dem Projektnamen A.R. & Machines (plus das unter seinem eigenen Namen herausgebrachte Livealbum „Erholung“) nicht mehr viel zu halten – eigenhändig sorgte er dafür, daß die Alben nicht weiter vertrieben wurden und aus dem Backkatalog gelöscht wurden, während er sich sehr erfolgreich mit Vertonungen klassischer Dichter, Rock-Arrangements von Shanties und kommerziellem Deutschrock betätigte.

All das führte natürlich wie bei den ersten vier Kraftwerk-Alben zu einer Kultisierung der „Machines“-Alben, die in der Folge natürlich kräftig als Bootlegs kursierten, während Originalpressungen auf Plattenbörsen für Fantasiepreise gehandelt wurden. Nachdem bislang lediglich das Debüt „Die grüne Reise“ vollständig auf CD erhältlich war, erzählt nun das 10-CD-Boxset „The Art Of German Psychedelic (1970-74)“ die komplette Story von Achim Reichel und seine Maschinen – inklusive fünf CDs mit unveröffentlichter Musik. Reichel selbst bezeichnete das Material als „Starken Tobak“. Nun, was die „Machines“-Alben vom Großteil der experimentell krautrockenden Zeitgenossen deutlich unterscheidet, ist erst einmal, daß hier keinerlei Anbiederei an Free Jazz oder neutönende Klassik erfolgt. Zum Zweiten spielen auch die Synthesizer so gut wie keine Rolle – statt des „einfach anschalten, ein paar Knöpfchen drehen und warten was passiert“-Ansatzes der frühen Elektroniker basiert Reichels Musik auf ganz deutlich handgemachtem Gitarrenspiel, das sich seine Inspiration gerne auch mal im Blues oder Rock’n’Roll sucht. Schließlich bauen die Songs alle auf geloopten Gitarrenriffs auf, zu denen dann die Rhythmusinstrumente unterstützend beziehungsweise sich reibend einsteigen. Klingt vertraut? Richtig, genau das Gleiche wird seit einigen Jahren „ganz frisch“ im Post-Rock und -Metal-Bereich gemacht, nur, daß man eben heuer die Loopstation hat, wo früher die Bandmaschine herhalten muss.

Auf jeden Song einzugehen, würde natürlich hier den Rahmen sprengen, so also ein paar warme Worte zu den Alben. „Die grüne Reise“ ist der Ausgangspunkt, und auch wenn Reichel versucht, aus den Loop-Improvisationen teils „richtige“ Songs zu machen (‚You Are The Singer‘), die Highlights sind doch die instrumentalen Stücke. Der minimalistische Ansatz entwickelt eine höchst hypnotische Wirkung, auch wenn die Riffs noch recht konventionell klingen – ‚Globus‘ bespielsweise basiert auf einem knackigen Kinks-Riff, ‚A Book’s Blues‘ ist – welch Überraschung – ein klassisches Blues-Thema und ‚Come On People‘ klingt mit seinem Hippie-Mantra und den Welt-Musik-Percussions durchaus sogar „Beat Club“-kompatibel (Spätphase zumindest). Hart wird es beim fast zwölfminütigen Abschlusstrack ‚Truth And Probability‘, bei dem scheinbar zufällig Fragmente aus Riffs, Geräuschen und Stimmen geloopt und durcheinandergewürfelt werden – da kann man dann trefflich streiten, ob das überhaupt noch Musik ist oder „nur“ Kunst.

Das wohl geschlossenste und nach Ansicht des Verfassers beste Album der Box ist klar das Zweitwerk „Echo“. Wo beim Debüt noch scheinbar die Maschinen die Richtung bestimmt hatten, ist es hier ganz klar Reichel, der der Maschinenwelt seinen Willen aufzwängt und sie zum Komponieren nutzt. Diese Kompositionen sind zwar immer noch alles Andere als konventionell oder gar kommerziell, die vier – je eine Plattenseite einnehmenden – Suiten haben aber einen deutlich durchdachteren Flow, einige Songs wurden gar mit Streicherarrangements versehen und nicht zuletzt ist auch der Sound deutlich professioneller ausgefallen, ohne die DIY-Atmosphäre, die dem Ganzen zugrunde liegt, zu zerstören. „A.R.3“ ist das wohl rockigste der Machines-Alben, interessanterweise auch eines der Ersten seiner Art, das auch mit einer rudimentären Rhythmusmaschine experimentierte. Und es müßte schon ein enormer Zufall im Spiel sein, wenn David Gilmour vor ‚Run Like Hell‘ nie ‚Tarzans Abenteuer im Sommerschlussverkauf‘ und ’10 Jahre lebenslänglich‘ gehört haben sollte. Dafür gibt’s mit ‚Die Eigentümer der Welt‘ auch eine folklastige Akustikgitarrennummer, die schon ein wenig in Richtung Reichels späterer Experimente mit Shanties und Volksliedern im Blues- und Rock-Gewand wies.

Für Einsteiger wohl das zugänglichste Album ist „A.R.4“, das dem Thema (der Reise eines Wassertropfens) gemäß einen relativ entspannten, natürlichen Fluß und einen wieder relativ minimalistischen Sound hat. Hiermit dürften sogar Fans der späten Pink/frühen Virgin Years von Tangerine Dream ihren Spaß haben. In die selbe Kerbe, vielleicht sogar noch entspannter, auf jeden Fall noch melodischer, schlägt „Autovision“: Achim Reichel hatte Transzendentale Meditation für sich entdeckt und war hörbar mit sich und der Welt im Reinen. Das Livealbum „Erholung“ beendete schließlich das Kapitel „A.R. & Machines“ für die nächsten Jahre und zeigte, daß auch die Bandimprovisation über die rigiden Echo-Strukturen nicht nur möglich, sondern auch außerhalb von Rauschzuständen genießbar war. Heute ist das gar keine Sache mehr, jedes zweite Improv-Projekt nutzt Sequencer, damals – wie das komplette Projekt – im eigentlichen Wortsinn höchst innovativ.

Dazu kommen gleich vier Bonus-CDs und einige auf die regulären Alben verteilte Bonustracks. Am Interessantesten dabei das „Cologne Concert“, ein Radiomischnitt zweier Live-Improvisationen – eine 36, die andere 41 Minuten lang. Die zweite Bonus Disc sammelt Reichels erste Versuche, das Material Mitte der 1990er zeitgemäß aufzubereiten, die dritte sammelt Fragment aus den Siebzigern, die dann auf der vierten und letzten Bonus-CD unter dem Titel „Virtual Journey“ mit modernen Remix-Mitteln in musikalische Form gebracht wurden. Leider fehlt den neueren Aufnahmen ein wenig das anarchisch-neugierige Element, das die Originale auszeichnete – beileibe keine schlechte Musik, aber eben weit perfekter, weniger kantig und weniger mitreißend.

Eigentlich sollten alle Freunde experimentellen Krautrocks diese unentdeckten Schätzchen also sofort in ihre Sammlung aufnehmen. Schade ist lediglich, daß einmal mehr die ganze Geschichte nur als teures Box-Set erhältlich ist. Der Preis von knapp 120€ ist zwar dem Inhalt grundsätzlich noch einigermaßen angemessen – obwohl bespielsweise die vorbildlichen Boxsets von King Crimson fürs gleiche Geld mehr als doppelt soviel Material plus jede Menge Gimmicks wie Surround-Mixes, DVDs und BluRays bieten. Wirklich unfein ist diese Veröffentlichungspolitik eben hauptsächlich, weil auch der Fan die Box kaufen muss, der beispielsweise nur am aktuellen „Virtual Journey“-Album interessiert ist oder dem eine CD-Fassung von „Echo“ ausreichen würde. Aber, wie im Falle Pink Floyd und einigen anderen Kandidaten wird auch hier der kaufkräftige Ü50-Hardcore-Progfan wieder ohne langes Nachdenken zuschlagen. Wahrscheinlich gilt hier auch die Theorie, über die der Verfasser dieser Zeilen kürzlich in einem Fanforum gestolpert ist: Hartz IV-Empfänger hören ja eh nur Helene Fischer. Hrmpf. Da fragt sich die Musikwelt, warum sie in der Krise steckt…

Leftoverture Live And Beyond

Schön, das Kansas auf ihrer letzten Tour wenigstens ein ordentliches Doppel-Livealbum mitgeschnitten haben, wenn sie sich schon nicht zur Night Of The Prog auf der Loreley trauten. Aber, so gut der „Ersatzact“ Marillion natürlich war, „Leftoverture Live And Beyond“ stimmt mit Sicherheit die Kansas-Fans noch trauriger, diese Sause verpasst zu haben.

Dabei scheint das Ganze vordergründig gar nicht mal so was Besonderes zu sein. Ja, das komplette „Leftoverture“-Album wird gespielt, aber generell kommt ja eh keine Kansas-Show ohne mindestens die Hälfte des Klassikeralbums aus. So ist denn auch ‚Questions Of My Childhood‘ das einzige wirklich selten gespielte Stück aus dem „Leftoverture“-Set. Auch ansonsten gibt’s wenig, was nicht bereits auf anderen Kansas-Livescheiben drauf war. Auf das im Laufe der Tour durchaus regelmäßig gespielten ‚All I Wanted‘ aus der Steve Morse-Ära muss man leider ebenso verzichten wie auf Material der christlichen Phase. Auch vom bärenstarken letzten Album „The Prelude Implicit“ gibt’s nur drei Songs, und die fantastische Single ‚With This Heart‘ ist leider nicht dabei. Mehr noch, aus den vierzig Jahren zwischen „Point Of Know Return“ (1977) und dem letzten Album ist mit ‚Icarus II‘ gerade mal ein einziger Song vertreten. Mecker, mecker, mecker also?

Keineswegs. Denn „Leftoverture Live And Beyond“ hat – trotz der wenig originellen Setlist – einfach ungeheuer Schmackes. Die Band zelebriert die Klassiker mit Frische und jugendlicher Energie, daß es einfach Spaß macht, sich die zwei Stunden ums Ohr zu hauen. Daß dabei die beiden (!) Gitarren ganz deutlich heavier als in den Siebzigern tönen und das Hauptaugenmerk auf die Prog-Seite des Kansas-Sounds gelegt wurde, kommt dem Ganzen noch zusätzlich zugute. Und, sorry, liebe Walsh-Fans, so kraftvoll, beseelt und vor allem souverän wie Ronnie Platt hier hat der ausgeschiedene Steve Walsh das Material zuletzt in den Siebzigern gesungen. Ja, dieses Album bestätigt: die Neuzugänge Platt, Zak Rizvi (gtr) und David Manion (keys) sind das Beste, was der Band passieren konnte. Alles klingt verjüngt, voller Spielfreude und überraschend zeitgemäß – ohne das irgendein Ton an den klassischen Arrangements geändert wurde. Dazu passt auch der erfreulich unpolierte und alles Andere als klinisch sauber klingende Sound der Scheibe, für den einmal mehr Kansas-Stammproduzent Jeff Glixman verantwortlich ist. Audiophile Gemüter werden nun wieder den bösen „Loudness War“ verteufeln – aber hey, das hier ist trotz aller krummer Takte und komplexen Arrangements immer noch Rock’n’Roll, und der muss eben auch mal krachen. Gerade, wenn in der göttlichen Version von ‚Lamplight Syphony‘ von zarten Violinen zu krachendem Heavy Rock mit ekstatischem Drumming von Phil Ehart und zurück gewechselt wird, will man der kompletten Band ein High Five geben, zeigen Kansas doch hier: Prog Rock muss nicht statisch und zivilisiert sein, er wird gar umso besser, wenn man auch dem zweiten Teil des Wortes ordentlich Bedeutung beimisst.

Ich könnte jetzt noch Stunden weiterschwärmen, aber lassen wir’s einfach dabei: Kansas haben mit „Leftoverture Live And Beyond“ eine großartiges Livealbum veröffentlicht, das eine Band im zweiten Frühling zeigt und sich selbst im Vergleich zum – rattenscharfen! – Live-Klassiker „Two For The Show“ nicht zu verstecken braucht. Für alle Prog- und Classic Rock-Fans ein unumgänglicher Pflichtkauf – und für alle, die Kansas einfach mal kennenlernen wollen, ein perfekter Einstieg.

THE FLOWER KINGS mit fettem Boxset und Vinyl-Reissue

Wer sich schon immer mal in den Backkatalog von The Flower Kings einhören wollte, aber bisher nicht so recht wußte, wo er einsteigen sollte, bekommt nun eine preisgünstige Starthilfe: am 15. Dezember erscheint das sieben Alben auf zehn Discs enthaltende Boxset „A Kingdom of Colours (1995-2002)“. Schon am 3. November gibt es das ursprünglich 2002…

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Pink Floyd – Die definitive Biographie

Pünktlich zur neuen David Gilmour-DVD möchten wir Euch einen ganz besonderen Schmöker ans Herz legen. Der britische Journalist Mark Blake hat sich nämlich an das anstrengende Unterfangen gewagt, eine umfassende Biografie über die notorisch pressescheuen Herrschaften von Pink Floyd zu schreiben, die der österreichische Hannibal-Verlag in deutscher Sprache veröffentlicht hat. Auf rund 550 Seiten bringt „Pink Floyd – Die definitive Biografie“ dank vieler Interviews, die Blake mit der Band und Zeitgenossen geführt hat, die wechselhafte Karriere der fünf Musiker, die trotz diverser Wechsel immer im Schicksal verbunden blieben, außerordentlich detailliert und nachvollziehbar an den Fan.

Im Gegensatz zur Autobiografie von Floyd-Drummer Nick Mason geht Mark Blake in seinem Buch weit methodischer zur Sache, Masons Humor sucht man hier vergeblich. Dafür bemüht sich der Autor um eine recht objektive Darstellung der Ereignisse. Gerade, wenn es um Syd Barretts Absturz oder den Kleinkrieg zwischen Roger Waters und David Gilmour geht, ergreift das Buch keine Partei, sondern lässt dank O-Ton-Kommentaren die Fakten wirken – oder zeigt die Diskrepanzen in den von verschiedenen Parteien abgegebenen Versionen der Geschehnisse auf, sodass jeder sich sein eigenes Bild machen kann. Als Aufhänger nutzt Blake die mittlerweile bereits legendäre Live8-Reunion 2005, bei der Roger Waters erstmals seit 25 Jahren wieder mit seinen Siebziger-Bandkollegen aufgetreten war. Daraus spinnt er den Faden in die Vergangenheit, die wohlbehütete Jugend der aus gutem Hause stammenden Musiker, die Rebellenpose der Clique von der Cambridge-Universität, die ersten musikalischen Gehversuche – und natürlich zum faszinierenden Charakter von Syd Barrett, der in diesem Klima regelrecht aufblühte.

Auch Weggefährten wie Aubrey Powell und Storm Thorgerson, die mit ihrer Design-Firma Hipgnosis später für ihre Uni-Kumpels ikonische Cover-Artworks wie „Dark Side Of The Moon“ oder „Meddle“ in Szene setzen sollten, werden ausführlich vorgestellt. Auch die schon frühen Verbindungen zwischen den Ur-Floyds und dem eigentlich erst zum zweiten Album hinzustoßenden David Gilmour werden schön aufgezeigt – so waren Gilmour und Barrett noch vor der Floyd-Gründung als Straßenmusiker-Team unterwegs, und Pink Floyd-Gründungsmitglied Bob Klose, der die Band vor ihrem ersten Plattendeal verließ, tauchte später auf David Gilmours Soloalben von 2006 und 2015 wieder auf. Willie Wilson, der Drummer von Gilmours Prä-Floyd-Band Joker’s Wild spielte später auf Syd Barretts beiden Soloalben und mit Pink Floyd während der „The Wall“-Tour – derlei Verbindungen sind zahlreich und bisweilen höchst verblüffend. Zwar ist die Fülle an Personen, die von der Cambridge-Phase bis zum Aufstieg zu den Helden des psychedelischen Underground auftauchen, beim ersten Lesen aufgrund ihrer Vielzahl ein wenig verwirrend, da allerdings fast alle später noch mehrmals auftauchen werden, haben natürlich auch alle ihre Berechtigung in der Story.

Das Buch handelt akribisch alle essenziellen Floyd-Meilensteine ab, ob der Zerfall von Syd Barretts Persönlichkeit, der Ausbruch von Roger Waters Paranoia, David Gilmours Übernahme und natürlich Anekdoten wie das fliegende Schwein über Battersea Power Station (das auch das Cover ziert), das Bespucken eines Fans und die angeblichen Beschädigungen der Kanäle von Venedig, die Tode von Rick Wright und Syd Barrett, alles wird von Mark Blake berücksichtigt und einige der Legenden auch erfreulich kritisch hinterfragt. Die Geschichte geht bis zur Veröffentlichung von David Gilmours letztem Soloalbum „Rattle That Lock“, und aufgrund der differenzierten Charakterzeichnungen der einzelnen Bandmitglieder schafft es Blake, die eigenwilligen Entscheidungen, die oft zu höchst seltsamen Geschehnissen innerhalb der Bandkarriere führten, weitgehend nachvollziehbar und verständlich zu machen. Der aggressiv-egomanische Konzeptionalist Waters, der ebenso egogetriebene, aber diplomatischere Gilmour, der „Regeln sind für Andere“-Bilderstürmer Barrett, der geniale, aber phlegmatische Wright und der locker-entspannte „alles mal ausprobieren“-Drummer Mason werden dank differenzierter Beobachtungen richtig schön nachvollziehbar gemacht.

Man kann Blake nur Respekt für die Arbeit zollen, die er in dieses Buch gesteckt hat – seinem Titel als „definitive“ Arbeit zum Thema wird es in jedem Fall gerecht. Ein Buch, das man nicht nur einmal liest, sondern sicher danach noch mehrfach zur Hand nehmen wird, um diverse Begebenheiten noch einmal häppchenweise Revue passieren zu lassen. Die Fotos sind zwar nicht allzu zahlreich, aber erfreulich stimmig ausgewählt, vieles hat man bislang so noch nicht gesehen. Da auch der Hardcover-Einband mit dem pinken Buchrücken durchaus ansprechend ausgefallen ist, kann man nichts Anderes als eine Empfehlung aussprechen: ohne Frage, für jeden, der sich mit dem Thema Pink Floyd beschäftigt, eine essenzielle Anschaffung.

Live At Pompeii

Mit den Worten „Live At Pompeii“ verbindet man als Rockfan ja ganz spezifische Assoziationen. Der gleichnamige Film von Pink Floyd hielt doch die Band in ihrer vermutlichen Bestphase in Bild und Ton fest: nach der Fertigstellung von „Meddle“, kurz vor „Obscured By Clouds“ und „Dark Side Of The Moon“ und zum letzten Mal ohne Backgroundsängerinnen, Saxophonisten oder Ähnliches. Als Pink Floyd-Gitarrist David Gilmour mit seiner Soloband 2016 ins Amphitheater von Pompeii zurückkehrte, lag nahe, die Show mitzuschneiden und somit den Bogen zur legendären Performance 45 (!) Jahre zuvor zu spannen.

Nun, es hat sich Einiges geändert. Zuvorderst hat David Gilmour sein „Live At Pompeii“ nämlich vor Live-Publikum eingespielt, als ganz konventionelles Konzert. Und auch die Setlist enthält mit ‚One Of These Days‘ nur einen Rückgriff auf das Pink Floyd-Set von 1971. Auch wenn natürlich der Geist des kollektiven Genies von Gilmour, Barrett, Wright, Waters und Mason auch beim Solo-David immer über der Sache schwebt – dank der ikonischen, kreisrunden Leinwand, die seit 1974 bei fast allen Floyd-Shows in irgendeiner Form zum Einsatz kam, ganz buchstäblich. Aber auch durch Klassiker wie ‚Shine On You Crazy Diamond‘ (in der beseeltesten Version seit langem), ‚Time‘ oder das immer wieder unfassbare ‚Comfortably Numb‘ wird man als Floyd-Fan gerne nostalgisch. Bei letzterem gibt übrigens Rolling Stones-Keyboarder Chuck Leavell eine absolut überzeugende Roger Waters-Performance ab – abgesehen davon, daß er natürlich auch – vornehmlich – als Organist eine exzellente Figur macht, während Ex-Toto-Mann Gregg Philinganes hauptsächlich die Pianoparts übernimmt.

Doch auch das Solomaterial kann sich, vor allem im Vergleich zu den eher braven Studioversionen sehen lassen. Wo der Titelsong von „Rattle That Lock“ im Studio noch wie ein statischer 08/15-Mainstream-Rocksong geklungen hatte, kommt die Sache live tatsächlich spätestens bei Davids beherztem Gitarrensolo ins Rollen. ‚In Any Tongue‘ ist wie schon auf dem Album auch live ein Höhepunkt Die ersten beiden Gilmour-Soloalben bleiben einmal mehr komplett außen vor – eigentlich schade, denn nicht nur der Rezensent hätte sich mit Sicherheit über eine Performance von ‚There’s No Way Out Of Here‘ oder ‚Mihalis‘ gefreut. Aber echte Überraschungen bleiben hier aus: selbst das von Pink Floyd – mit Ausnahme einer einzelnen Performance anläßlich Manager Steve O’Rourkes Begräbnis – letztmalig anno 1971 gespielte ‚Fat Old Sun‘ war bekanntlich auf Gilmours letzter Solo-Tour bereits fester Bestandteil der Setlist. Eine Handvoll Sachen aus der Gilmour-geführten Spätphase wie ‚High Hopes‘ und das großartige ‚Sorrow‘ runden den Hitreigen dennoch perfekt ab – wenn auch einmal mehr das vermutlich beste Stück dieser Floyd-Ära, nämlich ‚On The Turning Away‘, fehlt. Dafür hatte sich David das ziemlich nervtötende Chor-Arrangement von ‚The Great Gig In The Sky‘ besser erspart – Unterhaltungswert hat da nur der Gesichtsausdruck der rechts stehenden Sängerin, die von Todesangst zu religiöser Verzückung alles durchzumachen scheint. Viel schöner und ein passenderes Rick Wright-Tribut das nachfolgende ‚A Boat Lies Waiting‘, das ebenfalls deutlich emotionaler als die „Rattle That Lock“-Version klingt.

Sound- und Vision-technisch ist… Moment, muß ich das überhaupt schreiben? Erwartet jemand ernsthaft, daß eine Gilmour-DVD in dieser Hinsicht nicht perfekt ausgefallen sein könnte? Eben. Also, David Gilmour– und Pink Floyd-Fans, solltet Ihr gezweifelt haben: natürlich könnt Ihr hier bedenkenlos zugreifen. Als ob das je eine Frage gewesen wäre…

Second Home

Ich gebe zu, der Name Mystery war mir bislang nur geläufig als „die andere Band“ von Benoit David, der nach Jon Andersons Rauswurf bei Yes gesungen hatte. Ernsthaft beschäftigt hatte ich mich bislang aber noch nicht mit der Band. Somit konnte ich mich also komplett unvoreingenommen mit der vorliegenden Live-DVD beschäftigen – auch schön, wenn man eine seit 30 Jahren existierende Band einfach mal so entdecken kann!

Und, ohne Frage, das Entdecken scheint sich bei Mystery zu lohnen. Musikalisch findet man bei den Kanadiern Spuren von Saga, Ever-Ära-IQ und den frühen Dream Theater, wenn auch weniger heavy und vertrackt als bei letzteren. Heißt unterm Strich, melodische, ausladend arrangierte Songs mit gelegentlichem Symphonic-Prog-Schlag, frei von Disharmonien und derbem Gebrate. Trotz virtuoser Soli steht meist der Gesang im Mittelpunkt – und das auch vollkommen zurecht. Denn Frontmann Jean Pagaeu gewinnt nicht nur jeden Michael Sadler-Lookalike-Wettbewerb (auch in Sachen Gestik!), sondern punktet auch mit schlicht großartigem Gesang, der mich sehr an gleich zwei meiner Lieblingssänger erinnert: Max Bacon, der unter anderem bei Bronz, GTR, Mike Oldfield und Nightwing tätig war und Ex-Styx-Stimme Dennis DeYoung. Noch dazu kann er – wie die ganze Band – mit sympathischem Bühnengebaren noch einen Extrapunkt abräumen. Ebenso überzeugend die Gitarrenarbeit von Bandboss Michel St.Père, der stilistisch irgendwo zwischen Steve Rothery, Steve Hackett und einem von allem Shredding-Nonsens erlösten John Petrucci liegt. Der Rest der Band spielt zwar ebenfalls perfekt auf den Punkt, nimmt sich aber zugunsten ihrer beiden ‚Stars‘ zurück.

Auch das Songmaterial von „Second Home“ – das natürlich im Boerderij in Zoetermeer, NL aufgenommen wurde, der ‚zweiten Heimat‘ für eine ganze Menge Progger – kann ohne Ausnahme überzeugen. Vor allem der Longtrack ‚Another Day‘ hat es mir angetan, der in den rockigen Momenten ein wenig an Kansas und in den getragenen Parts an die David Gilmour-Ära von Pink Floyd erinnert. Überhaupt ist das Material durchweg höchst eingängig, die Gesangslinien würden mit straighterer musikalischer Begleitung auch jeder AOR- und Melodic Rock-Combo gut zu Gesicht stehen. Man nehme nur das zweite Zwanzig Minuten-Epos der Scheibe, ‚Through Different Eyes‘, das eher wie eine Suite aufgebaut ist, die aus durchaus standalone-tauglichen Einzelsongs besteht, aber dennoch wunderbar ineinanderfließt und als Ganzes nochmals einen Extrakick bekommt. Zum Abschluss gibt’s dann mit ‚The Preacher’s Fall‘ noch einen echten Dreieinhalb-Minuten-Rocker mit sattem Boogie-Fundament, der richtig in die Beine geht. So sieht ein perfektes, spannendes Liveset aus!

Von Bildqualität und Kameraführung darf man freilich hier nicht High-End-Niveau erwarten, aber hier gibt’s auch keine großen Effekte, die Musiker sind bei ihren Soli immer im Bild, der Schnitt ist bei den rockigen Sachen schneller, bei den atmosphärischen Passagen schön entspannt und die Atmosphäre und der Spaß, den die Band eindeutig auf der Bühne hatte, kommt auch im Wohnzimmer gut zur Geltung. Soundtechnisch muß man sich leider mit Dolby Digital Stereo zufrieden geben, ein sauberer Stereo-Mix ist mir allerdings ehedem weit lieber als ein ungekonnter „kann-ja-nicht-so-schwer-sein-ich-mach-das“-Surround-Sound.

Wer, wie ich, die Band noch nicht auf dem Schirm hatte, sollte sich „Second Home“ auf jeden Fall einmal auf den Merkzettel schreiben. Zu beziehen über den Webshop der Underground-Prog-Spezialisten Just For Kicks!

Rejoice! I’m Dead

Daß das erste Gong-Album nach dem Tod von Daevid Allen und Gilli Smyth den Namen „Rejoice! I’m Dead“ trägt, ist irgendwie folgerichtig und hätte dem kosmischen Catweazle und Mutter Gong mit Sicherheit gefallen. Die Frage bleibt natürlich dennoch, ob die aktuelle Besetzung um Kavus Torabi (Knifeworld) den Spirit der Band aufrechterhalten kann.

Nun ist es ja so, daß Gong im Laufe ihrer Karriere schon so viele Line-Up-Wechsel und Spin-Off-Projekte erlebt haben, daß eigentlich wirklich völlig Wurscht ist, wer denn nun gerade unter dem Namen musiziert. Und „Rejoice! I’m Dead“ ist ganz definitiv schon auf’s erste Hören ein klassisches Gong-Album geworden. Mit Steve Hillage und Didier Malherbe geben zwei alte Mitstreiter Gastaufritte, und selbst Daevid Allen ist noch auf zwei Songs zu hören. Stilistisch wird die Linie des letzten Albums „I See You“ fortgesetzt, also, natürlich etwas weniger clownig als zu „Flying Teapot“-Zeiten, dafür recht eingängig und trotz grundsätzlich spaciger Ausrichtung bei Bedarf auch durchaus beherzt rockend. Für die die die Band noch nicht kennen, könnte man das Ganze als eine luftige Mischung aus Syd Barretts Pink Floyd, „Lizard“-Ära-King Crimson und Lewis Carroll beschreiben, gleichermaßen esoterisch, spinnert, jazzig, psychedelisch und verspielt. Klar, nichts für den Mainstream, aber der hat ja noch nie viel kapiert.

Anspieltipps verbieten sich bei einem Gong-Album zwar eigentlich, da sie als Gesamtwerk freilich am Besten funktionieren. Für Reinschnupperer empfehlen sich aber zum Bespiel das eröffnende ‚The Thing That Should Be‘, bei dem man sich automatisch den kauzigen Ex-Boss vorstellt, wie er auf seinem Heimatplaneten sitzt und stolz auf die Fortführung seines Werkes herunterblickt. ‚Rejoice!‘ kommt mt der unverkennbaren Hillage-Gitarre, ‚Visions‘ ist eine klassische Ambient-Nummer (Gong gelten mit Brian Eno als wichtigste Einflussgeber des Genres) und ‚Insert Yr Own Prophecy‘ ein trotz des melancholische Themas mächtig Laune machender Ritt über den Planeten Gong, der noch einmal respektvoll, aber nicht wehmütig an die ehemaligen Bewohner erinnert. Wer die Band schon immer mochte, kann und wird hier also ohne Frage zugreifen, und für Neueinsteiger findet sich mit „Rejoice! I’m Dead“ tatsächlich eines der zugänglichsten Alben der Bandgeschichte. Daumen hoch für die erfolgreiche Fortführung des Kultes!

Valkyrie

Glass Hammer hatten im Prog-Zirkus schon immer einen schweren Stand. Zuviel kantenloser Schönklang, zuwenig eigene Identität, zuviele Klischees – die Band hat alles schon über sich ergehen lassen müssen. Mal ehrlich: diese Vorwürfe sind schließlich auf 95% aller Retroprogbands genauso anzuwenden. Und immerhin hat es die Band im Verlauf ihrer dreiundzwanzigjährigen Karriere auch geschafft, sich eine kleine, aber durchaus treue Fangemeinde zu erspielen. Schauen wir also einfach mal, was „Valkyrie“ tatsächlich kann.

Einmal mehr handelt es sich bei „Valkyrie“ um ein Konzeptalbum. Es geht dabei diesmal aber thematisch nicht um Tolkien oder Prog-Rock-Alien-Verschwörungen, sondern um die harte Realität, wie das trostlose Artwork ganz ohne Roger Dean-Verneigungen diesmal schon untermauert. „Valkyrie“ beschäftigt sich textlich mit einen Kriegsheimkehrer, der sich mit seinen traumatischen Erfahrungen und der Rückkehr ins Alltagsleben arrangieren muss. Das ist tendenziell natürlich schwerer Stoff, nur: leider ist davon nix zu spüren. Denn die Musik klingt über die volle Distanz genauso schön melodisch, wolkig und verträumt bis zum Rande der Kitschgrenze und auch gerne mal darüber hinaus. Eben ganz so, wie man das von Glass Hammer mittlerweile gewohnt ist, irgendwo zwischen Yes (alles), Alan Parsons Project (‚Valkyrie‘, ‚Nexus Girl‘) und Toto (‚Golden Days‘). Nee, so richtig will das nicht zusammen passen. Auch wenn in ‚Fog Of War‘ und ‚Eucatastrophe‘ mal (für GH-Verhältnisse) unerwartet harte Gitarrenriffs auftauchen, werden sie soundtechnisch gleich mit ganz viel Synthie-Watte abgemildert.

Apropos Sound: im Jahr 2016 hat eigentlich keine Band mehr eine Entschuldigung für eine derart drucklose Produktion. Die Drums klingen eher nach Proberaum als nach Studio, der Bass hat keine ‚balls‘ und der Gesang wird ständig von meterdicken Keyboard-Layern in den Hintergrund gedrückt. Das verstehe, wer will. Vielleicht liegt es daran, daß Glass Hammer derzeit keinen hauptamtlichen Sänger mehr in ihren Reihen haben, der auf sein Recht pocht und die Masterminds und Not-Sänger Steve Babb und Fred Schendel womöglich nicht allzu selbstbewußt mit ihren (durchaus anhörbaren!) Gesangsleistungen umgehen. Langzeit-Gastsängerin Susie Bogdanowicz, die zu Beginn durchaus mit Recht eher belächelt wurde, gibt dafür auf „Valkyrie“ die reifste Leistung ihrer Karriere ab und würde manchen Spötter damit durchaus umdenken lassen – wenn sie denn deutlicher zu hören wäre. Ja, und wenn die Gesangslinien einfach markanter wären. Denn auch wenn das Album am Stück gut durchläuft, bemerkt man selbst beim fünften Durchlauf kaum, wenn ein Song endet und der nächste anfängt. So etwas wie packende Melodielinien sucht man beinahe vergeblich, oftmals wirkt der Gesang leider wie eine nachträglich draufgeklatschte Sahnehaube. Das hat bei den Vorgängern deutlich besser geklappt.

Es ist halt einfach ein Kreuz mit Glass Hammer. Die Herren sind musikalisch ohne Frage talentiert, und man hofft immer wieder darauf, daß sie es schaffen, dieses Talent und die immer wieder vorhandenen guten Ansätze mal in ein richtig großartiges Album umzusetzen. Aber leider ist auch „Valkyrie“ nur ein „nettes“ Album mit viel Siebziger-Flair und Achtziger-Neoprog-Sounds, das man sich als Fan von Steve Hackett, „Hydra“-Ära-Toto oder den neueren Yes mit Sicherheit ins Regal stellen kann – vorausgesetzt, man kann die schwammige Produktion und die melodische Beliebigkeit ignorieren. Wer aber ein wenig mehr musikalischen Tiefgang erwartet, wird auch 2016 sicherlich kein Fan von Glass Hammer werden.